Jonny White, do Art Department, está de volta - mais forte do que nunca!

Mais do que um simples retorno às pistas de dança, Jonny White está retomando uma obra de vida - mais centrado, experiente e com um propósito mais nítido do que nunca. Nascido em Toronto, ele cresceu cercado por música; com o pai atuando como gerente de divisão na A&M Records nos anos 80, estudando em escolas de artes durante sua formação e, mais tarde, encontrando um senso de pertencimento na cena house da cidade, à medida que ela evoluía dos armazéns para os clubes nos anos 90.

Vindo de uma época em que os sets “open to close” eram o padrão, passando por festas ilegais semanais e pela fundação de seu selo No.19, o caminho de White acabou levando à ascensão meteórica do Art Department. O projeto definiu um som que ajudou a moldar o futuro da música eletrônica, rendendo faixas que chegaram ao topo das paradas e uma agenda incessante de turnês, com eventos em clubes e plataformas icônicas como Fabric, Panorama Bar, DC-10 e Boiler Room. Então veio o silêncio.

Em 2020, White adoeceu gravemente e foi hospitalizado na Espanha, sendo posteriormente diagnosticado com doença de Lyme - o que o forçou a anos de isolamento e recuperação. Essa experiência redefiniu seu senso de propósito: a gratidão se tornou sua bússola. Agora, o estúdio voltou a pulsar. Sua tão comentada colaboração com RZA (Wu-Tang Clan) é real - assim como seu primeiro trabalho solo em anos, que será lançado pelo respeitado selo Rawax.

O No.19 retorna com propósito - homenageando os pioneiros da house de Toronto e abraçando novos talentos. Nos bastidores, seu projeto de conservação animal Music Against Animal Cruelty (MAAC) continua a unir arte, ativismo e preservação. Nesta entrevista exclusiva, Jonny White rompe o silêncio e mergulhamos em seu renascimento - explorando suas batalhas, sua renovação criativa e como o propósito se tornou seu verdadeiro ritmo.

Onde tudo começou para você? O que primeiro te atraiu para a música quando criança?

Cresci no meio da indústria. Meu pai era gerente de divisão da A&M Records antes da Polygram assumir, então a música sempre fez parte da minha vida - estava presente em tudo, desde que me lembro. Era simplesmente parte do cotidiano da minha casa. Acho que posso dizer que essa exposição tão cedo me deu a oportunidade de me conectar com a música e perceber, desde pequeno, que ela era importante para mim. Acho que isso é algo muitas vezes subestimado.

A exposição é tudo. Na verdade, eu era mais envolvido com artes visuais quando criança e fui incentivado a seguir por esse caminho porque tinha um talento natural para o desenho. Graças a esse dom, entrei em programas de arte a partir dos dez anos, nos quais metade do dia era dedicada ao currículo artístico. Por meio disso, aprendi a tocar vários instrumentos. E acho que sempre quis fazer algo com música por causa do envolvimento do meu pai com o meio, mas só mais tarde - com minha exposição à house music e à cultura dos clubes e raves - é que passei a me interessar pela música como criador e performer.

Você se lembra do momento em que a música eletrônica realmente fez sentido para você? Qual foi essa faísca?

Já respondi a essa pergunta em várias entrevistas ao longo dos anos, e sempre mencionei uma música específica. Mas, pensando bem agora, acho que a verdadeira faísca foi ouvir a música no contexto de um clube, estar dentro do organismo vivo e pulsante que era o Industry Nightclub, em Toronto, nos anos 90. Ouvir música eletrônica naquele ambiente pela primeira vez foi o que realmente despertou algo em mim.

Depois disso, não perdi um fim de semana sequer durante dez meses seguidos. Ia sozinho, com 16 anos, toda semana, usando uma identidade falsa, conhecendo alguém ou não. Foi ali que senti, pela primeira vez, que eu pertencia a este planeta.

Como foram seus primeiros gigs antes de o Art Department se tornar um nome global?

Meus primeiros gigs... quero dizer, foram cerca de 12 anos de apresentações antes do Art Department, então teve de tudo - desde tocar em um bar para dez pessoas nos primeiros dias, até afters bem pesados, além de anos organizando meus próprios eventos com marca própria e comandando minhas noites e after-hours.

Também comecei o selo No.19 antes do Art Department, então já fazia eventos do selo e contratávamos artistas internacionais antes mesmo de eu sair em turnê. Acho que isso era o caminho natural para a minha geração: você começa com shows locais, depois lança suas músicas e, talvez, comece a viajar. Também cheguei a fazer algumas turnês internacionais como Jonny White, antes do Art Department - e, para ser honesto, foi justamente isso que nos levou a criar o projeto. Eu não estava curtindo viajar sozinho, sem conhecer ninguém nos lugares onde tocava. Mas eu queria tocar.

Rolou muita especulação, por que você sumiu nos últimos cinco anos e o que realmente esteve fazendo durante esse tempo?

Sim, eu estava querendo falar sobre isso já faz um tempo. Já tentei postar algo sobre isso, nem sei quantas vezes, e provavelmente recebi mais de mil mensagens perguntando por que não estou realmente fazendo turnês ou lançando música. Sou uma pessoa bastante reservada, mas surgiram tantos boatos que quero esclarecer isso. Não que todo mundo se importe, mas acho que chegou a hora de ser transparente sobre o assunto, pelo menos para quem se importa… e por mim mesmo.

Em 2020, fiquei muito, muito doente e fui hospitalizado na Espanha, onde eu morava. Resumindo uma história longa e complicada, acabei sendo diagnosticado com doença de Lyme. Qualquer pessoa que tenha Lyme, ou conheça alguém que tenha, sabe que é uma doença crônica, complexa e debilitante, muito difícil de tratar e controlar. A natureza dos sintomas é extremamente ampla, e a condição muda de um dia para o outro, às vezes de uma hora para outra, tornando quase impossível se comprometer com planos, porque você nunca sabe como vai se sentir amanhã, muito menos daqui a alguns meses, quando chegar a hora de fazer um show que aceitou.

Vou me estender um pouco sobre isso, porque sei que isso pode ajudar alguém que esteja passando por essa situação a se sentir menos sozinho, ou talvez ajudar a validar a condição para quem está por perto tentando ajudar, mas tem dificuldade de acreditar ou entender o que está acontecendo. Já estive nos dois papéis: primeiro, vendo meus pais sofrerem e perdendo um deles por causa de uma doença crônica e debilitante, quando eu ainda não compreendia o que era aquilo. Depois, experimentando isso em primeira mão. Chamam a doença de Lyme de “a grande imitadora” por um motivo, ela pode se manifestar como problemas cognitivos graves, dificuldades motoras, fadiga extrema e dores musculares e articulares transitórias.

Eu, pessoalmente, experimentei uma quantidade enorme de sintomas que nem sabia que eram possíveis, desde esquecer como escrever até não conseguir ficar em pé por causa de problemas cardíacos, ou precisar de muletas devido a sintomas artríticos. Sensibilidades absurdas a certos alimentos, substâncias no ambiente ou até produtos de limpeza comuns. Às vezes, você simplesmente não consegue sair da cama por semanas. Chegou um ponto em que meus médicos disseram que eu não deveria viajar de avião sem um aparelho de oxigênio.

A parte mais assustadora de tudo isso é a política que cerca a doença, o que leva a diagnósticos errados e à dificuldade de encontrar ajuda. E o fato de que a maioria das pessoas acaba presa nessa “zona cinzenta”, mesmo com a doença atingindo níveis quase epidêmicos em termos de número de casos. Foi isso que me afastou da carreira inicialmente, e por isso eu realmente não voltei depois da COVID. Fiz apenas alguns poucos shows, talvez 10% do que fazia antes.

Aproveito este momento para pedir desculpas a qualquer fã ou promoter que esteja lendo isto e que eu tenha decepcionado ao cancelar apresentações que havia confirmado e não consegui cumprir. Sou extremamente grato a todas as pessoas que me permitiram viver essa vida, compartilhando o que crio com o público e acho que devo a elas essa transparência, tanto quanto devo a mim mesmo parar de sentir que preciso esconder isso. Tem sido uma jornada muito difícil, mas também sou grato pela experiência, pela oportunidade de crescer e encontrar mais paz nesse processo.

Quanto à carreira, tenho me dedicado a curar, aprender e observar, pensando em como posso contribuir agora e onde posso agregar valor nesse trem que, de certa forma, saiu dos trilhos. Podemos voltar a isso depois.

A qualquer pessoa que esteja lendo isto e passando pela doença de Lyme - ou por qualquer outro tipo de luta - envio amor. Acredito que todos estamos aqui para aprender através das dificuldades, e a dor é apenas um sinal que aponta para as partes de nós que precisam de atenção e cura. É apenas informação - e uma oportunidade. Todos estamos lidando com nossos próprios problemas, cada um à sua maneira. Cabe a nós transformar tudo isso em amor e crescimento.

Ouvimos dizer que você voltou ao estúdio gravando com o RZA, do Wu-Tang Clan. Como essa colaboração aconteceu?

Sim, esse é um dos boatos que é verdade. Quer dizer, eu nunca parei completamente de escrever música, mas estava sendo algo muito lento e difícil, com todos os problemas cognitivos, dificuldade de concentração, zumbido nos ouvidos e até questões de visão.

Sobre o RZA: eu sou próximo do ex-booker do Wu-Tang, Matt Kingsley, então já tive a chance de encontrá-los nos bastidores e tocar em alguns festivais junto com eles ao longo dos anos, mas nunca tínhamos realmente nos conectado até esse momento. Eles estavam fazendo um show em Toronto quando eu também estava na cidade, então Matt veio para o show e acabamos rodando por alguns clubes depois, com RZA, Ghostface e Raekwon. RZA e eu começamos a conversar sobre música, e sobre música eletrônica, desde Giorgio Moroder até as explorações de John Frusciante no acid house e tal. Eu não fiquei surpreso com o quanto o interesse dele é profundo e variado, mas conseguimos nos conectar de verdade nesse nível. Mostrei ao RZA e ao Matt uma foto do estúdio em que eu estava trabalhando na época, o tipo de lugar que é o sonho molhado de qualquer apaixonado por equipamentos, e Matt sugeriu que fôssemos ao estúdio juntos no dia seguinte, se houvesse tempo.

Entenda isso: para mim, o RZA é tipo o Quincy Jones. Esse cara é uma das mentes criativas mais importantes de todos os tempos. Então eu pensei “ah, claro”, e meio que deixei pra lá. No dia seguinte, acordei com uma sequência de mensagens entre a equipe do RZA e a minha, organizando a sessão, eles já estavam a caminho do estúdio. Ele chegou com sua equipe e uma vocalista de Detroit chamada Bevlove, e eu comecei a tocar algumas faixas que tinha feito, só pra ver se ele curtia algo. Toquei a primeira de, sei lá, umas cem batidas que eu tinha prontas, e ele estava no celular digitando. Pensei: “Droga, ele não tá curtindo nada.” Segunda faixa, ele ainda digitando… eu perguntei: “Quer que eu toque a próxima?” E ele respondeu: “Não, gostei dessa, liga o microfone.” Ele não estava enviando mensagens, ele estava escrevendo. Então começamos a gravar, e fizemos várias coisas naquele dia. Foi um dos momentos mais surreais e incríveis da minha carreira, poder trabalhar com ele. Esse material está sendo finalizado agora.

A No.19 foi um selo marcante na sua trajetória. Por que relançá-lo agora, e que tipo de lançamentos podemos esperar, tanto no No.19 quanto em labels como a Rawax?

A No.19 foi uma parte realmente fundamental da minha carreira. Meu parceiro Nitin e eu criamos o selo e os eventos em 2008, antes mesmo de o Art Department ser uma ideia na minha cabeça, então ele sempre esteve no centro de tudo o que faço na música. Paramos de lançar músicas quando a COVID aconteceu porque, para mim, simplesmente não parecia certo continuar enquanto milhões de pessoas estavam sofrendo, doentes e morrendo.

Olhando agora, talvez aquilo tivesse sido a nossa forma de fazer a nossa parte para manter o ânimo das pessoas, mas também fiquei muito doente naquele período, e de qualquer forma não teria conseguido continuar trabalhando. Agora, cinco anos depois, Nitin e eu tivemos inúmeras conversas sobre o que aconteceu com a cultura desde então e sobre quais são os nossos papéis dentro de tudo isso.

Acho que passamos por uma fase de desânimo e desesperança em relação a para onde tudo estava indo, mas isso naturalmente se transformou em motivação, a vontade de fazer a nossa parte para preservar a música e a cultura, junto com todos os outros selos que estão lutando para manter essa cena viva. É uma coisa se você simplesmente perde o interesse por tudo, mas é outra muito diferente sentir indignação e ainda assim ficar parado, sem contribuir de alguma forma para tentar mover as coisas na direção certa. Se ninguém fizer nada, tudo realmente acabará completamente vazio da alma sobre a qual essa cultura foi construída.

Então estamos de volta a fazer o que sempre fizemos: lançando músicas que amamos, e chegando perto de 100 lançamentos no selo. Estamos começando novamente do mesmo jeito que foi em 2008, representando nossa cidade natal, com lançamentos de lendas de Toronto como Nick Holder, Tyrone Solomon, Toronto Hustle, Ron Allen, Abicus, Basic Soul Unit, Kenny Glasgow, Nathan Barato, além de alguns novos artistas de Toronto que me interessam muito, como Cosmic JD, Jordan Gardner e Ciel. É uma lista bem mais longa que também inclui Nitin e eu.

Também temos material de Satoshi Tomiie, D’Julz, DJ Deep e Joeski. Quanto à Rawax, trata-se de um novo relacionamento com o selo. Robert Drewek está comandando uma das melhores gravadoras de música underground do momento, e é uma honra lançar meu primeiro trabalho original em anos com eles e ver onde isso vai dar.

É disso que tudo se trata para mim - trabalhar com pessoas realmente dedicadas a manter o nível quando o assunto é qualidade e preservação.

Você também vem continuando seu trabalho com o MAAC. Que papel isso desempenha na sua jornada criativa hoje?

Com o MAAC, estamos dando continuidade à missão que iniciamos em 2017. Realmente atingimos nosso auge em 2020, com a expansão da marca de eventos em grande escala “WILD”, coproduzindo shows com a Nightleague em locais como o Ushuaïa, além de realizar apresentações e transmissões com nossos embaixadores - entre eles Jamie Jones, Black Coffee e Bedouin.

Hoje o projeto já se tornou um nome reconhecido, e conseguimos contribuir de forma significativa para a proteção da vida selvagem. É um projeto inspirador de se envolver, embora também seja angustiante e desanimador ver a humanidade destruindo a natureza e testemunhar a queda drástica das populações de tantas espécies. Em breve teremos grandes novidades para compartilhar.

O que tem mantido você conectado à música em meio a todo o barulho, às mudanças e ao caos da indústria?

O barulho e o caos da indústria são exatamente isso - barulho. Eles não têm nada a ver com a minha conexão com a música. Essa é uma coisa espiritual, completamente separada da minha carreira dentro da música eletrônica.

Se estivermos falando sobre o que me mantém conectado ao ato de criar e tocar música, aí é uma conversa um pouco diferente. Também é uma relação espiritual para mim, mas que se complica por ser uma carreira, e por toda a porcaria que vem junto com isso.

Mas vou dizer uma coisa: fazer música e tocar música é como um atalho para atravessar todo o ruído da vida e me conectar com o meu eu mais elevado. Por isso, encontrar formas de manter isso puro e sem distorções é essencial para mim.

Respondendo objetivamente à pergunta, o “como”: se eu tivesse que dar um conselho sobre como se manter conectado à música, seria este, você precisa se envolver com ela. Ela está sempre ali para você, mas cabe a você se aproximar, mesmo que seja apenas como fã ou ouvinte. É como qualquer relacionamento que precisa ser cultivado: se você sente que está perdendo a conexão com alguém, tem que pegar o maldito telefone e ligar para essa pessoa.

E é por isso que a música é o caminho mais bonito que alguém pode seguir nesta vida: não existe linha de chegada, não existe fim de mapa, não existe última música para ouvir ou compor. Isso continua para sempre. Enquanto você se envolver, a jornada segue.

Olhando para trás, o Art Department e o No.19 ajudaram a remodelar a forma como as pessoas viam a house music. Como se sente em relação ao rumo que a cena tomou desde então?

Essa é uma afirmação forte. Obrigado por dizer isso, é sempre bom ouvir. Tenho plena consciência de que ambos os projetos tiveram seu papel. Mas essa é uma pergunta bem complexa. Por um lado, é algo bonito, ter feito uma contribuição significativa para a cultura.

Ao mesmo tempo, quando olho para o que selos como o meu, o Hot Creations e o Crosstown conquistaram, e para a música que meus contemporâneos e eu criamos, atravessando fronteiras e conectando o underground com o mainstream, percebo que, de certo modo, isso também foi prejudicial a muitas das coisas que eu amava em tudo isso… e isso pode parecer um pouco estranho.

Mas é assim que acontece com qualquer forma de arte que ganha popularidade, isso vale para tudo. Muito do que piorou na cena tem mais a ver com as redes sociais do que com qualquer projeto musical em si. A falta de cultura, de qualidade, e a crescente influência corporativa e controle comercial são o oposto do que tudo isso representava para nós.

Então, é algo agridoce para mim. Amo muito do que surgiu a partir do que criamos, mas também gerou muita porcaria. Tanto musicalmente quanto politicamente.

Você pode nos contar alguns momentos marcantes da sua carreira que ainda ressoam profundamente com você hoje?

Não sei, cara… neste momento da minha vida, a forma como vejo as coisas, em comparação com alguns anos atrás, é diferente. As experiências que vivi através desta carreira são os verdadeiros destaques. Não se trata de uma conquista específica ou de um show em particular. É uma vida tão cheia de momentos extraordinários que eu nem saberia escolher apenas alguns.

Acho que já fiz praticamente tudo o que há para fazer neste mercado e toquei em quase todos os lugares possíveis. O que posso dizer? Na primeira semana da minha primeira turnê, toquei na Fabric, Panorama Bar e DC-10. Talvez gravar o primeiro álbum, The Drawing Board? Ou os primeiros dias do Elrow, o Coachella, ou gravar no estúdio Maida Vale da BBC? Ou ainda a participação em um filme de Hollywood!? Tudo isso é insano.

Talvez lançar músicas dos meus heróis, como Frankie Knuckles ou Kerri Chandler, pelo meu selo No.19, e fazer nossos eventos pelo mundo todo… há tanta coisa pela qual sou grato e orgulhoso que a lista é interminável, e ainda hoje tudo isso me parece surreal.

Mas os destaques óbvios são, no fim das contas, apenas conquistas que alimentam o ego. O que realmente importa é o processo de criação e a jornada que ele te proporciona. O verdadeiro destaque pode ser simplesmente trabalhar no Art Department e na No.19, esses são os veículos para todas as experiências. O destaque é a vida que estou vivendo e as pessoas que conheço.

O que mais te empolga na cultura da música eletrônica em 2025?

Essa é uma pergunta difícil. Provavelmente algo que todos nós deveríamos nos perguntar com mais frequência, já que hoje em dia todo mundo parece mais focado em falar sobre o que não gosta na cena. O que mais me empolga ainda é a música. A grande diferença é que, agora, talvez a música seja a única coisa que ainda me empolga, enquanto antes era toda uma cultura e uma comunidade que me faziam sentir seguro e em casa neste planeta.

O underground ainda é possível em uma época em que todo artista é uma marca e todo DJ set é um conteúdo?

Acho que isso depende de como você define underground. Ter uma marca não significa, necessariamente, que algo seja comercial. Mas é curioso, porque vender algo como “underground” também é uma estratégia comercial, certo? Acredito que o que separa o underground do comercial é a intenção. Talvez a pergunta mais importante seja: o que realmente define o underground, e quão relevante essa classificação ainda é neste ponto?

Ou melhor ainda: a inovação ainda é possível em um cenário que recompensa mais do mesmo e desencoraja os artistas a explorarem quem realmente são e a criarem seu trabalho mais autêntico? Digo isso porque é assim que eu defino o underground: arte autêntica e destemida, sem pedir desculpas. Se alguém faz isso e encontra resistência, ou é rejeitado pelas massas, isso é underground, claro. Mas também pode ser underground quando dá certo e alcança o público. Acho que o primeiro disco que o Kenny e eu lançamos juntos é, na verdade, um ótimo exemplo disso.

Na sua perspectiva, qual é o verdadeiro estado da indústria atualmente?

Ok… você perguntou. Na minha perspectiva, acho que a indústria está, de modo geral, ferrada. Desculpe, mas é isso. Não quero soar como um cara de uma geração mais velha reclamando do que a indústria se tornou, mas é um completo caos quando a música deixa de ser a coisa mais importante. Ponto.

Você até pode argumentar que o mercado está “bombando” quando DJs recebem cem mil dólares por um show e cinquenta mil pessoas aparecem em um evento. Mas é preciso considerar o que esses eventos realmente são e o que esses números significam. Em primeiro lugar, essas “festas”, como um evento da Kienemusic, por exemplo, não são raves. São o oposto de uma rave. Deixe-me deixar isso muito claro: são eventos superexclusivos e corporativos. É só isso. Não são políticos, não são acessíveis, não dizem nada, são vazios de tudo o que faz uma rave ser uma rave.

A adoção desse modelo de negócios destruiu a cultura dos clubs. Tornou-se praticamente impossível para os pequenos espaços sobreviverem, como temos visto nos últimos anos - e é justamente aí que está o coração de tudo isso. Toda essa cultura nasceu de clubes que eram radicalmente inclusivos, acessíveis e centrados na música. A música era o núcleo de tudo. Agora, está tudo andando para trás.

Os promotores estão contratando os DJs que têm mais marketing por trás e fãs mais ricos, para vender ingressos caros e camarotes em eventos gigantes. Isso significa que, na maioria dos casos, as pessoas menos exigentes musicalmente estão ditando quem é contratado, distorcendo o mercado, os cachês e os preços dos ingressos. Isso afeta diretamente a capacidade de pequenos clubes e promotores sobreviverem sem recorrer a artistas que vendem ingressos, forçando-os a seguir a mesma lógica ou a sair da indústria.

O resultado é que muitos DJs de verdade ficam sem espaço para tocar, sem lugares onde possam apresentar músicas profundas, obscuras e realmente boas. Quando se torna difícil para todos ganharem a vida tentando manter o padrão de qualidade, a cultura colapsa, e é isso que estamos vendo acontecer.

Há ainda outro fator, completamente separado disso tudo, e quase ninguém fala sobre isso, mas é algo muito real. Seria ótimo se pudéssemos reunir todos em uma grande mesa e concordar em voltar aos fundamentos, priorizando a música e a cultura. Mas os promotores, clubes e bookers não são todos vilões. Muitas das decisões que tomam são reações a uma mudança drástica no público que frequenta os eventos.

O que quero dizer é o seguinte: há toda uma geração hoje profundamente isolada, que aprendeu a se conectar, se comportar e ser amada ou aceita virtualmente, através das telas e das redes sociais. Isso é extremamente prejudicial e destrutivo para a cultura. Essas pessoas estão aprendendo o que é uma festa, como se comportar, o que vestir e o que significa estar presente, através de telas que documentam um estado terrível das coisas, antes mesmo de viverem uma experiência real.

É um fenômeno muito estranho e triste. É uma geração que, no fundo, busca o que todo ser humano busca: conexão e amor. Mas eles estão aprendendo, pelas redes sociais, que para conseguir isso precisam ser como os outros que parecem ter. Isso gera um medo de ser indivíduo, medo de ser único e autêntico.

E não só isso rouba da cena a energia colorida e vibrante que existia quando ela era formada pelos excluídos, esquisitos e fora dos padrões, que celebravam a individualidade, como também molda o futuro dos eventos, porque está treinando o comportamento e as preferências do público que vai a eles. O resultado é esse ciclo genérico e repetitivo que domina boa parte da cena hoje, tornando extremamente difícil para os verdadeiros artistas competirem, mesmo por uma pequena fatia do mercado. É por isso que eu digo: está tudo ferrado. Desabafo encerrado.

Como você, pessoalmente, se mantém centrado e criativo em uma indústria que recompensa mais o hype do que a substância?

Na verdade, é uma prática constante. Acho que ajuda o fato de eu ser um pouco mais velho e já ter passado por todos os altos e baixos possíveis nessa história. Claro que, em alguns momentos, perdi o equilíbrio, sem dúvida. Mas também acredito que há um tempo e um lugar, e muito valor, em ser um pouco sonhador, em se permitir flutuar um pouco e viver a imaginação. Acho que isso é essencial para manifestar o extraordinário.

Mas você não precisa comprar o hype e a falsidade que vêm junto com ele. É preciso ter cuidado, porque é muito fácil acreditar no próprio hype, especialmente se você passou anos buscando algum tipo de validação e, de repente, ela chega na forma de sucesso no show business.

O mais importante é que sempre tive boas pessoas ao meu redor, isso é o número um. Meu círculo íntimo sempre foi composto, em sua maioria, por pessoas que estavam comigo antes do sucesso, e isso é fundamental. Sempre desconfiei um pouco das intenções de pessoas novas, por algum motivo, então nunca fui do tipo que se cerca de “yes men” ou de gente que infla seu ego. E, por fim, acho que, como em qualquer coisa na vida, é vital ter um certo nível de autopercepção. Você não pode estar com a cabeça tão enfiada no próprio ego a ponto de não conseguir se enxergar de forma objetiva.

E além da música: quais são alguns sonhos ou visões inacabadas que você ainda quer realizar?

Além da música… eu gosto de criar coisas, de todo tipo. E tenho a sensação de ter mil ideias por minuto, todos os dias. É uma loucura viver dentro da minha própria cabeça. Escrevo há anos, então talvez em algum momento eu publique um livro ou uma história. Também sou artista visual, então estou constantemente criando, seja em tela ou digitalmente. Além disso, estudei biologia humana e medicina funcional por causa dos problemas de saúde que enfrentei, e adoraria ajudar pessoas de alguma forma, então talvez algo nesse campo, eventualmente.

Mas aí eu vou a um show e alguém me diz que minha música o manteve de pé num momento em que estava prestes a desistir, ou um artista comenta que minha música influenciou o projeto dele, ou ainda um fã conta que o Art Department foi o que o apresentou à house music e abriu um novo mundo pra ele…

Sabendo o que é sentir isso em relação a outros artistas, e sabendo que eu não estaria aqui sem a música deles, sempre acabo chegando à mesma conclusão: música.

Follow Art Department / MAAC / No.19:

Instagram

Facebook

MAAC

No.19

Photos: Divulgação